Exposición «La máquina Magritte», en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Del 14 de septiembre de 2021 al 30 de enero de 2022.
Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del museo, la muestra reúne más de 90 pinturas, transportadas por Tti.
https://www.museothyssen.org/exposiciones/maquina-magritte
Otro proyecto de Tti !
Hoy inaugura la exposición «La Paz de los Pirineos» en el museo de Bayona (Francia). Este proyecto se inscribe en las celebraciones de Donostia/San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016.
La exposición “1660 – Con la Paz de los Pirineos. Política y familia” estará abierta al público en el Museo vasco y de historia de Bayona hasta el 25 de septiembre.
Del 31.05.2016 al 11.09.2016
El Museo del Prado presenta, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, hasta el 11 septiembre de 2016, la exposición que conmemora el V centenario de la muerte del Bosco, una ocasión irrepetible para disfrutar del extraordinario grupo de las ocho pinturas de su mano que se conservan en España junto a excelentes obras procedentes de colecciones y museos de todo el mundo. Se trata del repertorio más completo del Bosco, uno de los artistas más enigmáticos e influyentes del Renacimiento, que invita al público a adentrarse en su personal visión del mundo a través de un montaje expositivo espectacular que presenta exentos sus trípticos más relevantes para que se puedan contemplar tanto el anverso como el reverso.
(Fuente: Museo Nacional del Prado)
Del 5 de abril al 15 de agosto de 2016 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Iniciador de una pintura mestiza que unía modernismo occidental y símbolos africanos o caribeños, Wifredo Lam (Sagua La Grande, 1902 – París, 1982), se codeó con todas las vanguardias del momento, afrontando también los problemas del mundo. Su obra profundamente comprometida, exploradora de diversidad de expresiones y de medios, desde la pintura al dibujo, del grabado a la cerámica, persigue el mismo combate que su amigo Aimé Césaire: “pintar el drama de su país, la causa y el espíritu de los Negros”. Lam tomó consciencia desde muy joven de la cuestión racial y de sus implicaciones sociales y políticas en Cuba, en Europa y, más adelante, en Estados Unidos. Asociado a diversos ambientes nacionales, sociales y culturales, siempre mantendrá una postura distante, sin caer en los papeles ni las proyecciones de identidad que le imponen, con buena voluntad, amigos y admiradores. Lam inventó un lenguaje propio, único y original para defender la dignidad de la vida y la libertad.
La exposición vuelve sobre la génesis de su trabajo pero también sobre las diversas etapas y condiciones de la recepción e integración progresivas de una obra pacientemente construida entre España, París-Marsella y Cuba. Traza la singular trayectoria del artista a través de alrededor de doscientas cincuenta obras –pinturas, dibujos, grabados, cerámicas– completada con más de trescientos documentos –cartas, fotografías, revistas, libros–. Este vasto material ilumina el contexto de su trabajo y de su pensamiento, deteniéndose en sus años en España (1923-1938), en los sorprendentes grabados de los años sesenta y setenta y en sus colaboraciones con los más destacados escritores de su tiempo, así como en las obras capitales creadas a la vuelta a su Cuba natal (1940-1950), y, en definitiva, muestra una vida comprometida dentro de un siglo agitado.
Del 23 de febrero al 12 de junio en el Museo Nacional del Prado.
La exposición se compone de treinta pinturas, un número excepcional considerando su escasísima obra conservada. Olvidado durante más de dos centurias, La Tour fue recuperado en los primeros años del siglo XX, siendo considerado ahora, junto a Poussin, el pintor francés más importante del siglo XVII. Artista de matriz caravaggesca, destaca por sus pinturas nocturnas de contrastes lumínicos violentos y sus tipos físicos populares: mendigos, músicos callejeros, viejos pendencieros, que señalan un sorprendente contraste con sus delicadas escenas religiosas.
Poco se sabe de su primera formación en la ciudad católica de Vic-sur- Seille, en la Lorena francesa, que debió concluir hacia 1610, en torno a los 17 años. La documentación posterior lo muestra como un pintor acomodado en lo económico, desabrido en lo personal y reconocido en lo profesional, alcanzando en el culmen de su carrera el nombramiento de pintor de Luis XIII.
La Tour vivió en un momento crítico para la historia de la Lorena que finalizó con la pérdida de la independencia política del ducado. En estas adversas condiciones concibió una pintura dotada de lirismo sorprendente, sobre todo en sus escenas nocturnas, casi todas ellas religiosas. Son pinturas de colorido casi monocromo y formas monumentales, impregnadas de soledad y silencio.
(Fuente: Museo Nacional del Prado)
Del 26 de febrero al 5 de junio de 2016 en la Fundación Juan March de Madrid.
Y sin embargo, es muy posible que hoy, setenta años después del final de la Segunda Guerra Mundial –cuando la memoria ya no está viva y apenas hay testigos oculares de la catástrofe–, esas deformadas y abstractas formas del arte al ser expuestas sean percibidas, sobre todo «formalmente», como una corriente pictórica más que añadir a la historia del arte, separada (como es propio no solo del paso del tiempo, sino del espacio expositivo) del terrible contexto al que respondía y al que se sobrepuso con gestos de una fuerza casi sin precedentes. Por eso, la exposición LO NUNCA VISTO. De la pintura informalista al fotolibro de postguerra (1945-1965) presenta la pintura europea de la postguerra –y hasta mediados de los años sesenta– junto a la fotografía de esas mismas décadas, con la pretensión de que el espectador se sumerja en el contexto histórico del momento y pueda entender la ruptura que los artistas llevaron a cabo tras la contienda.
La exposición presenta ciento sesenta obras, documentos y filmaciones procedentes de diversas instituciones y colecciones públicas y privadas, nacionales e internacionales como la Fondation Gandur pour l’Art de Ginebra, el Centre Pompidou, la Pinacoteca di Brera, el Museum Folkwang de Essen, la Colección Dietmar Siegert, la Fundación Foto Colectania, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza o el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, entre otras.
LO NUNCA VISTO. De la pintura informalista al fotolibro de postguerra (1945-1965) establece una relación estrecha entre pintura y fotografía gracias a un tipo de fotografía que insinúa planteamientos paralelos a los de la pintura, con trabajos como Chizu–The Map [El mapa] de Kikuji Kawada; además, pone de manifiesto la relación existente entre la abstracción europea de postguerra y los artistas de la Subjektive Fotografiealemana, con fotógrafos como Hermann Claasen, Helmut Lederer, el propio Otto Steinert o el español Francisco Gómez, así como al fotolibro y a la fotografía que se mueve en el ambiguo territorio del documento fotográfico y la forma artística.
En pintura, la muestra compagina la presencia de artistas y fotógrafos de reconocido prestigio (Pierre Alechinsky, Karel Appel, Alberto Burri, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Wols o los españoles Antonio Saura, Rafael Canogar, Manolo Millares, Fernando Zóbel, Gustavo Torner o Luis Feito, entre otros muchos) con magníficos artistas desconocidos (Natalia Dumitresco, André Marfaing o Georges Noël), entre los que además destacan un vigoroso grupo de artistas checos (Jan Klobasa, Jan Kubíček, Pavla Mautnerová o Jiří Valenta) que vienen a representar la vigencia de la respuesta informalista desde aquella parte de Europa que, al acabar el conflicto, quedaría cortada en frío y separada en otro bloque, bajo el dominio soviético.
La exposición incluye también obra de Wolf Vostell y de los pintores del Nouveau Réalisme francés (François Dufrêne, Raymond Hains, Mimmo Rotella o Jacques Villeglé, entre otros), cuyos décollages de carteles publicitarios sobre cine, política y comercio anticipan –como en una especie de negativo fotográfico de lo que enseguida sería el pop– el cambio de conciencia que advendría en Europa a partir de mediados de los años sesenta, y que se materializaría en formas artísticas más bien celebratorias de una realidad social que había pasado de las privaciones de la postguerra al ambiente fuertemente impregnado por el consumo y la publicidad, el propio del capitalismo global, la economía social de mercado y el estado del bienestar, en el que hoy seguimos viviendo. (Fuente: Fundación Juan March)
Georges Mathieu. Composition [Composición], 1951.
Fondation Gandur pour l’Art, Ginebra
© Fondation Gandur pour l’Art, Ginebra. Foto: Sandra Pointet
La muestra reúne 39 obras de gran formato que permiten recorrer los últimos cuarenta años de trabajo del artista.
Cinco grandes series
La exposición se articula en cinco secciones, dedicadas a las cinco grandes series del artista que podrán contemplarse en ella: Seascapes [Paisajes marinos] (1980- ), Portraits [Retratos] (1994-1999), Theaters [Cines] (1976- ), Dioramas (1976-2012) y Lightning Fields [Campos de relámpagos] (2006-).
Sus obras se caracterizan por una gran belleza visual y un elevado virtuosismo técnico. El fotógrafo ha logrado reinterpretar algunos de los géneros más característicos de la tradición fotográfica clásica, rechazando la tecnología digital en favor de métodos tradicionales.
En conjunto, la obra de Hiroshi Sugimoto constituye una profunda meditación en torno a la naturaleza de la percepción, la ilusión, la representación, la vida y la muerte. (Fuente: Fundación Mapfre)
Hiroshi Sugimoto – Exposición 2016 – Sala Mapfre
Del 9 de febrero al 22 de mayo de 2016 en el Museo Thyssen Bornemisza.
En invierno de 2016, el Museo presentará una exposición dedicada a un grupo histórico de pintores y escultores realistas que han vivido y trabajado en Madrid: Amalia Avia, Francisco López, Julio López, María Moreno, Esperanza Parada, Isabel Quintanilla y el propio Antonio López, que ya contó con una muestra monográfica en el Museo en el año 2011 y que en esta ocasión mostrará obras de reciente creación.
La exposición incluirá unas 75 piezas entre óleos, esculturas, relieves y dibujos, procedentes de las colecciones de los propios artistas, de instituciones internacionales y de colecciones particulares, sobre todo de España y Alemania, y estará comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, y María López, hija de Antonio López.
El discurso se articulará en torno a tres grandes bloques temáticos –Del bodegón a la ventana, Patio y calle y La figura– que incluirán obras de varios artistas, de forma que se puedan remarcar los puntos que tienen en común tanto en la elección de los temas como en la forma de abordarlos, unos nexos que se ven reforzados por las relaciones tan estrechas que les unen, ya sean personales, familiares o de amistad, así como por las coincidencias en la formación académica recibida. (Fuente: Museo Thyssen Bornemisza)
Del 26 de febrero al 5 de junio de 2016 en la Fundación Juan March.
Del 3 de diciembre al 8 de mayo de 2016, Canal de Isabel II Gestión presenta para esta temporada, en colaboración con Arthemisia Group, una nueva exposición que pretende acercar al visitante a la siempre atractiva cultura egipcia en el momento en el que la época de los faraones tocaba a su fin para dar paso a la etapa romana del territorio.
En ese contexto reinó Cleopatra VII, la última representante de la dinastía ptolemaica que había reinado en Egipto tras la muerte de Alejandro Magno y había acercado la sofisticación del mundo helenístico a la fastuosa corte de los faraones.Alenjadría fue la capital de un reino que fue testigo y parte de las luchas de poder por la expansión romana por el Mediterráneo.
Más de 400 piezas procedentes de 80 museos y colecciones de todo el mundo componen esta muestra que no sólo recrea los turbulentos años previos al nacimiento del Imperio Romano, sino la fastuosidad egipcia, la influencia de Egipto en las artes plásticas de la época, y, por supuesto, la fascinación que despertó y despierta la figura de la reina Cleopatra en las artes plásticas y escénicas desde el Renacimiento hasta nuestros días. (Fuente: www.artecanal.es)
Pincha aquí para ver algunas de nuestras manipulaciones.
Y si quieres ver cómo se hizo el montaje de la exposición, no te pierdas este otro vídeo.
Del 30 de octubre al 21 de febrero de 2016, en el Museo Guggenheim de Bilbao, se «muestran trabajos pertenecientes a un abanico diverso de campos creativos: diseño de objetos y mobiliario, artes gráficas, ilustración, moda, arquitectura, urbanismo, arte, artesanía, cine, fotografía, además de otros enfoques digitales y analógicos. Estas obras ocupan, deliberadamente, esa zona gris existente entre las distintas disciplinas y, no obstante, aportan respuestas concretas a la pregunta de qué puede y debe lograr el diseño en el siglo xxi. Estas creaciones no suelen realizarse en grandes cantidades y a menudo son el fruto del trabajo de una colectividad; han sido producidas de manera descentralizada, aunque en un contexto urbano, fundamentalmente; están más orientadas al proceso que al resultado; y a menudo surgen de una cultura de la creación informal en la que algo que ya existe es reinventado, o donde se producen nuevas obras tanto con herramientas tradicionales como electrónicas. Son trabajos que sirven como nexo entre la revolución digital y nuestra existencia analógica; que reinventan los materiales de manera radical; que reflejan un sentido de la responsabilidad hacia la sociedad más que hacia el mercado; y que realizan atrevidas afirmaciones acerca del futuro.» (Fuente: Guggenheim Bilbao)
