Exposición «La máquina Magritte», en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Del 14 de septiembre de 2021 al 30 de enero de 2022.
Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del museo, la muestra reúne más de 90 pinturas, transportadas por Tti.
https://www.museothyssen.org/exposiciones/maquina-magritte
Del 18 de febrero al 3 de julio de 2016 en el IVAM
Dedicada al análisis de la realidad socio-cultural del Mediterráneo, esta muestra cuestiona si esta área geográfica existe como entidad cultural, política o social. La exposición, que se estructura en dos partes, reflexiona primero sobre el mito, el de aquellos intelectuales del norte de Europa que viajaban al sur buscando la arcadia perdida. Algunos de ellos lo hacían para mejorar su salud, otros para encontrarse con una visión del cuerpo humano mucho más libre, como elemento de placer y sin los tabúes de los países protestantes. Para ilustrar esta imagen idílica del mediterráneo se muestran fotografías de los alemanes Wilhelm von Gloeden oHerbert List, así como pinturas de Pinazo, Sorolla, Picasso o Muñoz Degraín.
La segunda parte de la exposición, la más contemporánea, reflexiona sobre cómo se ha pasado de esta visión idealizada, a la del “espanto”, con el Mediterráneo como permanente zona de conflicto, con problemas como la inmigración, la desigualdad, el racismo o las fronteras infranqueables. Entre las obras que aquí se exhiben prima la fotografía y el vídeo. Obras de artistas españoles, como el valenciano Sergio Belinchón, las marroquíesYto Barrada y Bouchra Khalili, la argelina Zinedine Bessai, el libanés Akram Zaatari, el albanés Adrian Paci, el palestino Taysir Batniji, la francesa Zineb Sedira o la suiza Ursula Biemann, entre otros. (Fuente: IVAM)
Del 26 de febrero al 5 de junio de 2016 en la Fundación Juan March de Madrid.
Y sin embargo, es muy posible que hoy, setenta años después del final de la Segunda Guerra Mundial –cuando la memoria ya no está viva y apenas hay testigos oculares de la catástrofe–, esas deformadas y abstractas formas del arte al ser expuestas sean percibidas, sobre todo «formalmente», como una corriente pictórica más que añadir a la historia del arte, separada (como es propio no solo del paso del tiempo, sino del espacio expositivo) del terrible contexto al que respondía y al que se sobrepuso con gestos de una fuerza casi sin precedentes. Por eso, la exposición LO NUNCA VISTO. De la pintura informalista al fotolibro de postguerra (1945-1965) presenta la pintura europea de la postguerra –y hasta mediados de los años sesenta– junto a la fotografía de esas mismas décadas, con la pretensión de que el espectador se sumerja en el contexto histórico del momento y pueda entender la ruptura que los artistas llevaron a cabo tras la contienda.
La exposición presenta ciento sesenta obras, documentos y filmaciones procedentes de diversas instituciones y colecciones públicas y privadas, nacionales e internacionales como la Fondation Gandur pour l’Art de Ginebra, el Centre Pompidou, la Pinacoteca di Brera, el Museum Folkwang de Essen, la Colección Dietmar Siegert, la Fundación Foto Colectania, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza o el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, entre otras.
LO NUNCA VISTO. De la pintura informalista al fotolibro de postguerra (1945-1965) establece una relación estrecha entre pintura y fotografía gracias a un tipo de fotografía que insinúa planteamientos paralelos a los de la pintura, con trabajos como Chizu–The Map [El mapa] de Kikuji Kawada; además, pone de manifiesto la relación existente entre la abstracción europea de postguerra y los artistas de la Subjektive Fotografiealemana, con fotógrafos como Hermann Claasen, Helmut Lederer, el propio Otto Steinert o el español Francisco Gómez, así como al fotolibro y a la fotografía que se mueve en el ambiguo territorio del documento fotográfico y la forma artística.
En pintura, la muestra compagina la presencia de artistas y fotógrafos de reconocido prestigio (Pierre Alechinsky, Karel Appel, Alberto Burri, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Wols o los españoles Antonio Saura, Rafael Canogar, Manolo Millares, Fernando Zóbel, Gustavo Torner o Luis Feito, entre otros muchos) con magníficos artistas desconocidos (Natalia Dumitresco, André Marfaing o Georges Noël), entre los que además destacan un vigoroso grupo de artistas checos (Jan Klobasa, Jan Kubíček, Pavla Mautnerová o Jiří Valenta) que vienen a representar la vigencia de la respuesta informalista desde aquella parte de Europa que, al acabar el conflicto, quedaría cortada en frío y separada en otro bloque, bajo el dominio soviético.
La exposición incluye también obra de Wolf Vostell y de los pintores del Nouveau Réalisme francés (François Dufrêne, Raymond Hains, Mimmo Rotella o Jacques Villeglé, entre otros), cuyos décollages de carteles publicitarios sobre cine, política y comercio anticipan –como en una especie de negativo fotográfico de lo que enseguida sería el pop– el cambio de conciencia que advendría en Europa a partir de mediados de los años sesenta, y que se materializaría en formas artísticas más bien celebratorias de una realidad social que había pasado de las privaciones de la postguerra al ambiente fuertemente impregnado por el consumo y la publicidad, el propio del capitalismo global, la economía social de mercado y el estado del bienestar, en el que hoy seguimos viviendo. (Fuente: Fundación Juan March)
Georges Mathieu. Composition [Composición], 1951.
Fondation Gandur pour l’Art, Ginebra
© Fondation Gandur pour l’Art, Ginebra. Foto: Sandra Pointet
· Narra el periplo militar de esta familia noble en su conquista de Hispania en el marco de la 2ª Guerra Púnica
· Recoge más de 200 piezas procedentes de más de 30 instituciones, entre ellas Museos Nacionales Romanos
· La influencia mutua que supuso la conquista fue germen de una nueva ideología que cristalizó con Augusto
El Museo Arqueológico Regional de la Comunidad de Madrid inaugura en Alcalá de Henares su primera propuesta para 2016. La muestra podrá contemplarse en el Patio de Cristales del MAR hasta septiembre del presente año.
Esta exposición supone la continuación de «Fragor Hannibalis. Aníbal en Hispania» que narraba la historia del cartaginés Aníbal en nuestra península, y que pudo verse hace tres años en esta misma institución. Su objetivo es analizar uno de los períodos más apasionantes de nuestra historia y presentar al público los resultados de las últimas investigaciones efectuadas sobre un tema muy activo en la arqueología actual y del que el comisario, el catedrático de la universidad Autónoma de Madrid Manuel Bendala, supone uno de sus máximos exponentes.
La conquista de Hispania: una historia militar y diplomática
La muestra, la primera en España dedicada exclusivamente a la legendaria saga de los Escipiones, se ha dividido en seis espacios diferenciados por su contenido. Empieza introduciéndonos en la personalidad pública de esta notable familia de políticos y militares de la Roma republicana. A partir de aquí explica el funcionamiento del ejército romano y su importancia a la hora de conformar un modelo que resultó tremendamente eficaz en la romanización de los territorios ocupados.
LA EXPOSICIÓN MUESTRA DE FORMA EXAHUSTIVA LA ORGANIZACIÓN DEL EJÉRCITO ROMANO
Deteniéndose en la importancia de la armada romana, la tercera sala narra el desembarco del ejército romano en el año 218 a.C. en Ampurias. Con la llegada de los dos primeros Escipiones -Cneo, al que le sigue su hermano Publio Cornelio, tío y padre del famoso Africano– empieza la campaña de conquista y ocupación de Hispania. Ampurias se convertirá en su principal base militar y administrativa y será punto de partida para la romanización de la península, en la que Tarraco juega un papel fundamental. Hay piezas muy expresivas de ambas ciudades que ilustran las transformaciones sufridas, en un mismo territorio, por la convivencia de comunidades culturalmente tan ricas y diversas como la griega, la latina y la ibérica.
El cuarto espacio estudia la figura de Escipión el Africano -apodo que mereció tras su victoria sobre el gran general cartaginés Aníbal en su propia casa-, el gran conquistador de Hispania: desde la toma de la capital hispana de los cartagineses -Qart Hadasht, después Carthago Nova (actual Cartagena)- hasta la fundación de Itálica, próxima a la fenicia Spal (Sevilla).
La siguiente sala se ocupa esencialmente de Escipión Emiliano, nieto y continuador del legado de Escipión el Africano, quien pondrá fin a las ambiciones de Cartago destruyéndola por completo. Enviado a la provincia de Hispania con el objetivo de reconducir el conflicto con los belicosos celtíberos, protagonizará uno de los episodios más importantes de la conquista romana y uno de los más presentes en el ideario colectivo español: la toma de Numancia.
La brillante campaña militar de los Escipiones aparece bellamente representada en las ilustraciones que Albert Álvarez Marsal ha realizado en exclusiva para la ocasión.
LA LLEGADA DE ROMA SUPUSO UN CAMINO DE IDA Y VUELTA DONDE LA INFLUENCIA FUE MUTUA
Se termina el recorrido con una representación del complejo perfil ideológico y político de los Escipiones, evocando al emperador Augusto, entendido como culminación de esta saga que cambió para siempre la historia de España. La llegada de los romanos a la península no solo supuso un cambio trascendental para sus habitantes, sino que resultó un camino de ida y vuelta el que los Escipiones se vieron vivamente influenciados por lo que vieron y vivieron en su periplo hispano. Desde influencias meramente técnicas, como la de las armas nativas en la definición de la espada o gladius romano (llamado gladius hispaniensis) hasta otras más sutiles pero profundamente poderosas que tienen que ver con la influencia orientalizante y el proceso de deificación a la manera de Alejandro Magno, que después recogerá Augusto en su ascensión hacia el imperio.
Una selección de obras y un catálogo de excepción
Las obras expuestas han sido cedidas por diversas instituciones públicas y privadas, tanto españolas como de otros países. Destacando las provenientes de las colecciones de los Museos Nacionales italianos y de la ciudad de Roma que han prestado para la ocasión la espectacular cabeza identificada como Publio Cornelio Escipión Africano. Otras obras destacadas son el relieve con amontonamiento de armas, procedente de la colección privada de los Duques de Cardona, el relieve de los guerreros de Estepa (Sevilla) cedido por el Museo Arqueológico de Sevilla, el torso de guerrero con peto en forma de lobo de La Alcudia de Elche, el Caballero de los Villares del Museo de Albacete o el Vaso de la doma del caballo procedente del Museo Numantino de Soria.
Para completar la muestra se ha editado un catálogo compuesto por 17 artículos elaborados por los principales especialistas en la materia y desarrollados a través de más de 400 páginas y las fichas catalógraficas de toda la obra expuesta, que permanecerá, sin duda, como referente en la investigación en esta materia.
Nasreen Mohamedi (Karachi, 1937- Baroda 1990) fue una de las primeras artistas indias que abrazó la abstracción, alejándose de las doctrinas más convencionales del arte moderno indio de las primeras décadas del siglo XX. Eligió la no-figuración, práctica artística marginada entonces en la India independiente, dominada fundamentalmente por una estética antropomorfa y un realismo académico determinados por las escuelas de arte de la época colonial.
Su trayectoria, marcada por el rigor de la autodisciplina y el autocontrol, nos lleva a una visión personal articulada en torno a una estética parca y el uso de unos medios sobrios. Lo matemático, lo metafísico y lo místico fueron adoptados en su búsqueda de un mundo subjetivo e inmaterial.
La exposición, organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y The Metropolitan Museum of Art de Nueva York en colaboración con el Kiran Nadar Museum of Art de Nueva Delhi, despliega su obra -que unifica pensamiento y acción- a través de intersecciones entre su vida y su arte, mostrando dibujos, fotografías, pinturas y collages, con especial énfasis en el trabajo desarrollado por Mohamedi a lo largo de los años 70. (Fuente: Museo Reina Sofía)
Del 3 de julio al 1 de noviembre en el Museo Guggenheim de Bilbao.
Jean-Michel Basquiat (1960–1988) fue uno de los artistas más revolucionarios de la década de los ochenta. Nació y creció en Brooklyn, Nueva York, y desde niño destacó por sus habilidades intelectuales y artísticas, que su madre fomentó.
La fama de Basquiat fue creciendo a medida que realizaba exposiciones en Norteamérica y Europa; en poco tiempo se convirtió en un artista prolífico y en un personaje mediático del ámbito cultural. Cuando recibía a alguien en su casa o en su estudio, utilizaba las ideas que surgían a su alrededor como inspiración: pintaba al tiempo que charlaba, escuchaba música o veía la televisión con sus invitados.
Basquiat abrió nuevos caminos en el arte contemporáneo. Su innovadora perspectiva artística sigue inspirando a artistas de nuestros días y plantea cuestiones que aún hoy son relevantes. En una misma pintura, Basquiat podía hacer referencia a numerosas ideas, a través de símbolos, imágenes o textos, que unas veces guardaban relación entre sí y otras, no. Trasladaba el contexto en el que vivía al lienzo sin narrativas definidas, anticipando la era de internet e invitando al espectador a reflexionar de manera crítica sobre el mundo circundante.
Jean-Michel Basquiat: Ahora es el momento explora algunos de los temas más importantes de la obra innovadora de Basquiat a través de unas cien pinturas y dibujos del artista.
Exposición organizada por la Art Gallery of Ontario en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao (Fuente:www.guggenheim-bilbao.es)
Fundación Canal de Isabel II
Del 21 de mayo al 23 de agosto.
En Tti nos hemos encargado de la gestión del transporte y las aduanas para poder traer a Madrid todas los elementos museográficos que forman esta fantástica exposición itinerante sobre la historia de la animación.
Para ver el vídeo de la exposición, pincha aquí.
Reproducimos a continuación la nota de prensa:
Un ambicioso proyecto materializado en la exposición más importante sobre animación hasta la fecha, que reúne una extensa selección de películas producidas en los últimos 150 años. Como el propio subtítulo indica se trata de un recorrido que refleja la evolución de este género y su creciente influencia en otros ámbitos como el cine y el arte contemporáneo, convirtiéndose en un fenómeno cultural y sobrepasando así su función inicial de mero entretenimiento. A través de un interesante recorrido por diferentes generaciones y culturas, se exhiben un total de 80 obras, repartidas en 6 secciones temáticas. La exposición incluye desde cortometrajes icónicos hasta las más conocidas obras maestras del mundo de la animación, a través de los trabajos de pioneros como los hermanos Lumiére, Étienne-Jules Marey o Georges Mélies, de las grandes producciones de estudios como Walt Disney o Pixar, de artistas contemporáneos como Kara Walker o Jîri Barta, o de mentes creativas Tim Burton, Peter Jackson o Matt Groening, que permitirán al público dejarse llevar por la imaginación y la fantasía.
Watch Me Move se inauguró el 15 de junio de 2011 en la Barbican Art Gallery de Londres. Posteriormente inició su itinerancia en el Glenbow Museum de Calgary, Canadá, antes de emprender una gira de dos años por Asia. Ahora llega por primera vez a España, a la Fundación Canal de Madrid, en la que podrá visitarse hasta el 23 de agosto de este año.
Comisarios: Greg Hilty, Director de Comisariados Lisson Gallery, y Alona Pardo,
comisaria asociada en Barbican Art Gallery.
Exposición organizada por Barbican International Enterprises.
(Fuente: fundacioncanal.com)
Estos días hemos tenido el privilegio de embalar y transportar la colección de 124 fotografías del gran fotógrafo Chema Madoz!
La exposición Chema Madoz 2008-2014 Las reglas del juego, se presenta con motivo de la concesión al artista del Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid 2012, en la modalidad de Fotografía. Esta muestra se enmarca dentro de la Sección Oficial del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, PHotoEspaña 2015.
La exposición es un recorrido por la obra de Chema Madoz de los últimos seis años; una etapa de madurez y depuración conceptual en la que ha profundizado y ampliado las claves que han marcado su investigación fotográfica. Si la poética del objeto ha sido el eje sobre el que ha vertebrado su trabajo, en esta selección vemos cómo sus referentes e influencias se van abriendo a la presencia de la naturaleza, la aparición de la figura animal, la inclusión del dibujo como otra forma de representación o la aparición del texto como un vehículo natural de la imaginación. (Fuente: www.madrid.org)
Comisario: Borja Casani
Del 13 de mayo al 2 de agosto de 2015.
Sala Alcalá 31.Madri
Horario:
De martes a sábados: de 11:00 h a 20:30 h.
Domingos y festivos de 11:00 h a 14:00 h.
Cerrado: Lunes.
Entrada gratuita
Del 23 de abril a 30 de septiembre
Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo
Comisario: Miguel Fernández-Cid
Si queréis ver más fotos, pinchad aquí.
La exposición Secuencias de realidad tiene su eje central en torno la pintura española actual que aborda la representación de la realidad. La exposición se plantea como un proyecto abierto, en el que cada artista seleccionado indica una reflexión, un camino personal, una propuesta, pero siempre a partir de una actitud compartida: todos son conscientes de lo necesario que resulta buscar, insistir, matizar una imagen; añadir o restar cosas, volver al inicio. No son pintores rápidos ni de imágenes fáciles, y de alguno podría decirse que se enfrenta siempre al mismo cuadro, a un esquema análogo. Los hay que pintan la vista privilegiada que tienen desde su casa, conscientes de que el paisaje cambia y los matices de luz abren siempre nuevas perspectivas; otros dan prueba de una sorprendente imaginación y fabulan situando figuras imposibles en paisajes imaginados, compuestos de fragmentos de otras realidades, como si fuesen narradores.
La selección de obras incide voluntariamente en la búsqueda de una imagen, lo que da al proyecto un toque cinematográfico: se muestran apuntes, bocetos previos, búsquedas, cuadros finales; las variaciones a partir de un único motivo; la recreación de un mundo propio. Pequeños textos acompañan a las imágenes, ayudando a desvelar las intenciones, búsquedas y reflexiones que el artista realiza sobre su proceso de trabajo.
Los artistas representados en la exposición son: Carmen Laffón (Sevilla 1934), Antonio López Tomelloso, (Ciudad Real 1936), Eduardo Naranjo Monesteiro, (Badajoz 1944), Alfonso Galván (Madrid 1945), Juan José Aquerreta (Pamplona 1946), Manuel Quintana Martelo (Santiago de Compostela, A Coruña 1946), Eduardo Gruber (Santander 1949), Alwin van der Linde (La Haya 1957) y Diego de Pablos (Pamplona, 1973). (Fuente: www.meiac.es)
… Y en Tti nos hemos encargado de su transporte!!!
Jean Claude Gandur (Suiza, 1949), uno de los más importantes coleccionistas del mundo, cede en depósito a través de su Fondation Gandur pour l’Art, 15 obras de la vanguardia europea de la posguerra. Se trata principalmente de piezas pictóricas no figurativas de la segunda escuela de París (1946-1962) que cuestionan de manera radical los principios estéticos de la cultura occidental como respuesta a la pérdida de horizontes tras la Segunda Guerra Mundial. El préstamo temporal, que tendrá una duración de 2 años prorrogables, nace del deseo de Gandur de acercar sus obras al público y del interés del Museo Reina Sofía por seguir reforzando uno de los núcleos fuertes de su Colección, el que abarca desde el Informalismo hasta el Nuevo Realismo, y de profundizar en varios movimientos hasta ahora no representados en la Colección, como el grupo CoBrA. La aceptación de este depósito permitirá al Reina Sofía mostrar alguna de las piezas más significativas de las décadas cuarenta y cincuenta como la conocida Sarah (1943), de Jean Fautrier, que por primera vez compartirá sede con el Guernica (1937), de Pablo Picasso, obra con la que se la relacionó en su momento por parte de escritores como Ponge y Sartre. (Fuente: nota de prensa del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía)
